Circo Orfei

Mimmo Rotella - Circo Orfei

Pour les collectionneurs de Mimmo Rotella, SeriDécollage réalisé sur l'affiche du Grand Cirque à 2 Pistes d'Amedeo Orfei. Protagoniste incontestée, l'icône de l'art circassien : le tigre rugissant. La reine du cirque se montre dans toute sa puissance dans un seridécollage aux tons chauds, propres à réchauffer avec caractère l'ambiance d'une maison.

Seridécollage. Œuvre signée et numérotée en original. Édition limitée à 125 exemplaires en numérotation arabe, 50 en numérotation romaine et 20 épreuves d'artiste. Estampillée à sec par la Fondation Mimmo Rotella. Publiée dans le catalogue d'Elena Pontiggia à la page 100.

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GALERIE D’ART CONTEMPORAIN DEODATO ARTE: UN POINT DE RÉFÉRENCE POUR LES COLLECTIONNEURS ET LES PASSIONNÉS

Deodato Arte est une galerie d’art contemporain de référence sur la scène italienne et internationale, spécialisée dans la promotion et la valorisation d’artistes confirmés et émergents. Depuis des années, la galerie représente un point de référence pour les collectionneurs, les investisseurs et les passionnés qui souhaitent s’approcher du monde de l’art contemporain à travers une proposition soignée, faisant autorité et en constante évolution.

Grâce à un réseau de galeries d’art en Italie, à un e-commerce d’art contemporain et à une présence internationale, Deodato Arte unit expérience physique et numérique, rendant l’achat d’œuvres d’art transparent et accessible aux collectionneurs, investisseurs et passionnés.

Les espaces physiques de Deodato Arte en Italie

Les espaces physiques de Deodato Arte représentent le cœur de l’expérience d’exposition de la galerie. Présentes dans certaines des localités les plus dynamiques et prestigieuses, les galeries d’art contemporain Deodato Arte offrent des espaces dédiés aux expositions, installations et projets curatoriaux de haut niveau, permettant un contact direct avec les œuvres et avec le langage des artistes contemporains.

À Milan, Deodato Arte est présente avec deux galeries au cœur de la ville, à quelques pas du Duomo, points de référence pour le collectionnisme et le marché de l’art contemporain. La galerie est également active à Rome, l’une des capitales culturelles les plus importantes au monde, et à Padoue.

La présence sur le territoire italien s’étend également à Pietrasanta, Courmayeur et Chia. Pendant la saison estivale, Deodato Arte est également protagoniste à Porto Cervo, dans le cadre exclusif de la Costa Smeralda.

Au niveau international, la galerie est présente à St. Moritz, l’une des destinations européennes les plus emblématiques, renforçant la vocation globale de Deodato Arte et le dialogue entre art contemporain, collectionnisme et lifestyle.

Chaque espace Deodato Arte est conçu comme un lieu expérientiel, où la galerie d’art contemporain devient un espace de rencontre, de conseil et de découverte pour les passionnés, collectionneurs et investisseurs.

E-commerce d’art contemporain : acheter des œuvres en ligne en toute sécurité

L’e-commerce de Deodato Arte est une plateforme dédiée à la vente en ligne d’œuvres d’art contemporain, conçue pour garantir une expérience d’achat simple et sûre. Le catalogue en ligne comprend des œuvres d’art certifiées, des éditions limitées et des pièces uniques, accompagnées d’images en haute définition et de fiches détaillées. Acheter de l’art contemporain en ligne avec Deodato Arte représente une solution idéale pour ceux qui souhaitent collectionner confortablement en ligne, sans renoncer à la qualité et à la fiabilité d’une galerie historique.

Une sélection soignée d’artistes contemporains

La sélection d’artistes contemporains proposée par Deodato Arte est le résultat d’une recherche curatoriale attentive et d’une profonde connaissance du marché de l’art contemporain. La galerie collabore avec des artistes emblématiques, ainsi qu’avec une sélection en constante évolution de talents internationaux, allant du Pop Art au Street Art, de la photographie à la sculpture et aux nouvelles formes d’expression. Chaque artiste contribue à construire une offre cohérente et reconnaissable, appréciée par les collectionneurs italiens et internationaux.

Expositions d’art contemporain et événements exclusifs

Les expositions d’art contemporain de Deodato Arte sont pensées pour créer un dialogue entre les œuvres, les artistes et le public. Vernissages, événements exclusifs et projets spéciaux font de la galerie un lieu de rencontre dynamique pour ceux qui suivent les évolutions de l’art contemporain et souhaitent suivre de près les langages et les tendances de la scène artistique actuelle. À côté de la programmation d’exposition, la galerie accueille également des événements B2B et des formats sur mesure pour les entreprises et les marques, avec des expériences privées, des présentations et des collaborations qui mettent en relation créativité, artisanat et lifestyle.

Conseil artistique et investissements en art contemporain

Deodato Arte offre un service de conseil artistique personnalisé destiné aux collectionneurs et investisseurs intéressés par les investissements dans l’art contemporain. Du choix des œuvres à la construction d’une collection structurée, l’équipe de la galerie accompagne les clients avec compétence et transparence, en valorisant le potentiel culturel et économique de chaque œuvre.

L’art contemporain entre innovation, marché et vision internationale

Avec une approche innovante et une vision globale, Deodato Arte interprète l’art contemporain comme un langage universel en perpétuel changement. Tradition, recherche artistique et attention au marché se rencontrent pour offrir une proposition solide, capable d’anticiper les tendances et de valoriser le talent créatif dans le temps.

MAÎTRES DU XXe SIÈCLE : ARTISTES HISTORICISÉS SÉLECTIONNÉS PAR DEODATO ARTE

Dans le catalogue Deodato Arte figurent quelques grands maîtres du XXe siècle. Des artistes qui ont profondément marqué l’histoire de l’art et qui représentent encore aujourd’hui un point de référence incontournable pour les collectionneurs et les passionnés, à la recherche d’œuvres capables de conjuguer valeur culturelle, importance historique et qualité esthétique.

Joan Miró

Joan Miró est l’un des artistes les plus représentatifs du XXe siècle, connu pour un langage visuel personnel et immédiatement reconnaissable. Sa recherche se développe à travers des signes, des formes et des couleurs essentiels, donnant naissance à des compositions qui oscillent entre abstraction et imagination, avec une forte référence à la dimension poétique.

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Marc Chagall

Marc Chagall a construit un imaginaire unique, dans lequel mémoire, rêve et tradition culturelle se fondent en images chargées de symbolisme. Ses œuvres se caractérisent par des figures en suspension, des atmosphères féeriques et un usage intense de la couleur, capable d’évoquer des émotions profondes. Un langage lyrique et narratif, pensé pour les collectionneurs intéressés par une vision de l’art fortement évocatrice et intemporelle.

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Henri Matisse

Henri Matisse est l’un des grands protagonistes de l’art du XXe siècle et une figure centrale dans le développement du Fauvisme. Sa production se distingue par un usage innovant de la couleur et par une recherche constante d’équilibre entre forme, lumière et harmonie de la composition.

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Pablo Picasso

Pablo Picasso est considéré comme l’une des figures clés sur lesquelles repose le développement artistique du XXe siècle. Père du Cubisme, sa carrière est marquée par une expérimentation continue qui traverse différents langages et styles, redéfinissant de manière radicale le concept même de représentation artistique.

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Salvador Dalí

Salvador Dalí est l’un des plus grands représentants du Surréalisme. Son art se distingue par une forte composante visionnaire, dans laquelle technique, imagination et symbolisme s’entrelacent pour donner forme à des images puissantes et reconnaissables. Célèbre pour une production extrêmement vaste qui va bien au-delà de la peinture et comprend également des dessins, des sculptures, des films et même des bijoux. Son art se distingue par une composante fortement visionnaire, alimentée par sa méthode paranoïaque-critique pour explorer le subconscient, où technique (classique et moderne) et imagination s’entrelacent dans des images oniriques et reconnaissables.

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La proposition de Deodato Arte pour les artistes historicisés

Deodato Arte développe une proposition structurée et soignée autour des grands artistes historicisés: une sélection attentive des œuvres au catalogue, une attention particulière à la provenance et à la documentation, et un service de conseil dédié pour accompagner collectionneurs et passionnés dans leur choix. Une approche qui rend accessible le collectionnisme des maîtres historiques à travers une expérience d’achat fiable, en galerie comme en ligne.

LES ARTISTES LES PLUS COTÉS PAR DEODATO ARTE : ICÔNES DU MARCHÉ CONTEMPORAIN

Dans le catalogue Deodato Arte figurent certains des artistes les plus cotés et reconnaissables de l’art contemporain, protagonistes absolus du marché international. Leurs œuvres représentent un point de rencontre entre langage artistique, culture visuelle globale et collectionnisme de haut niveau.

Banksy

Banksy est l’une des figures les plus influentes du Street Art contemporain. Son langage direct, souvent ironique et provocateur, utilise des images simples pour véhiculer des messages complexes liés à des thèmes sociaux, politiques et humains. L’anonymat de l’artiste contribue à renforcer son mythe, tandis que ses œuvres comptent aujourd’hui parmi les plus recherchées et les plus cotées du marché de l’art.

Girl with balloon

Girl with Balloon est l’œuvre la plus emblématique de Banksy. L’image de la petite fille laissant s’envoler un ballon en forme de cœur est devenue un symbole universel d’espoir, de perte et de désir. La force de l’œuvre réside dans son apparente simplicité, capable d’évoquer des émotions profondes et immédiates. Sa renommée mondiale a également été renforcée par le célèbre épisode survenu lors d’une vente aux enchères chez Sotheby’s, lorsque Girl with Balloon s’est autodétruite (partiellement) immédiatement après l’adjudication, devenant l’un des événements les plus commentés du marché de l’art contemporain. Le sujet est disponible dans le catalogue Deodato Arte avec d’autres éditions certifiées, parmi les plus convoitées par les collectionneurs.

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Jeff Koons

Jeff Koons est l’un des artistes les plus influents et les plus cotés de la scène contemporaine, avec un marché fortement structuré et international. Son langage, fondé sur des surfaces brillantes, des objets iconiques et des références à la culture pop, a rendu ses œuvres extrêmement attractives pour les collectionneurs institutionnels et privés. Son style joue sur la frontière entre art, consommation et culture pop, rendant ses œuvres immédiatement reconnaissables. Le marché de Koons se caractérise par des records aux enchères et par une forte attention portée à ses sujets les plus iconiques.

Balloon Rabbit

La série Celebrations Sculptures, liée au sujet des Balloons, est considérée comme la plus emblématique. Balloon dog (Orange), la célèbre sculpture en acier représentant un chien fait de ballons, réalisée en 1990 en cinq couleurs différentes, a en effet été vendue aux enchères chez Christie’s en 2013 à New York pour 58,4 millions de dollars. Jamais jusque-là une œuvre d’un artiste vivant n’avait atteint un tel montant. Cette vente a établi un record pour un artiste vivant, faisant de Jeff Koons l’artiste vivant le mieux payé au monde.
Cependant, ce record fut battu quelques années plus tard par David Hockney. Son célèbre tableau Portrait of an Artist fut vendu aux enchères pour 90,3 millions de dollars. Le record de Hockney dura peu. Le 15 mai 2019, la sculpture Rabbit de Jeff Koons fut vendue aux enchères pour 91,1 millions de dollars.

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Damien Hirst

Damien Hirst est l’un des artistes qui ont le plus influencé le marché contemporain, grâce à une production reconnaissable et à une forte stratégie de positionnement. Ses œuvres les plus emblématiques sont considérées comme de véritables points de référence pour le marché, avec une demande constante et une forte présence sur le marché primaire comme secondaire. Son œuvre aborde des thèmes universels tels que la vie, la mort, le temps et la valeur, souvent à travers des images fortes et immédiatement reconnaissables. Hirst a su conjuguer conceptualité et impact visuel, devenant une figure centrale du marché international de l’art.

Le crâne

Le crâne est l’un des sujets les plus emblématiques de la production de Damien Hirst, rendu célèbre par l’œuvre For the Love of God. Ce symbole réfléchit au rapport entre mortalité et richesse, entre la caducité de la vie et le désir d’éternité. Pour sa réalisation, Hirst a utilisé le moulage d’un véritable crâne humain, recouvrant le crâne de platine et appliquant 8601 diamants, tout en conservant les dents originales serties dans la mâchoire. L’œuvre a atteint des valorisations extraordinaires: pour un coût de production de 14 millions de livres sterling, elle a ensuite été vendue pour 50 millions de livres sterling. Le sujet a également inspiré des sérigraphies en édition limitée, réalisées avec une technique lenticulaire pour accentuer l’effet 3D.

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Keith Haring

 

Keith Haring est l’une des figures symboles de l’art urbain et de la culture visuelle des années 1980. Son style se caractérise par des lignes nettes, des couleurs vives et des figures dynamiques, pensées pour être comprises de tous et utilisées pour traduire d’importants thèmes sociaux et politiques. Sur le marché de l’art, Haring est aujourd’hui un nom de référence: sa très forte reconnaissance et la diffusion internationale de son imaginaire soutiennent une demande constante, rendant ses œuvres parmi les plus recherchées. Son positionnement est également renforcé par sa capacité à avoir construit un langage immédiat et reproductible sur plusieurs supports, un aspect qui a contribué au fil du temps à consolider sa présence dans le collectionnisme.

Radiant Boy

Le Radiant Boy de Keith Haring est l’un des sujets les plus emblématiques et reconnaissables de ses œuvres: un « petit bonhomme » stylisé et coloré, au trait immédiat et révolutionnaire. Présent de manière constante dans les fresques murales, le Radiant Boy devient pour Haring un véritable symbole visuel et un langage capable de communiquer, avec une apparente simplicité, des messages très complexes, comme le silence qui accompagnait la propagation du sida. Les « petits bonshommes » de Haring sont aujourd’hui célèbres dans le monde entier et rendent ses œuvres facilement identifiables. Le choix de figures sans sexe défini renforce également un message d’inclusion, promouvant une communauté humaine qui ne dépend ni du genre, ni de l’orientation sexuelle, ni de la race.

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ARTISTES ACCESSIBLES ET NOUVELLES OPPORTUNITÉS DE COLLECTIONNISME

Sur le marché de l’art contemporain, certains artistes parviennent à conjuguer reconnaissance et collectionnabilité à travers des œuvres proposées dans des formats et des techniques qui rendent l’achat plus accessible, sans réduire la qualité ni l’identité de l’auteur. Leurs œuvres se distinguent par une production cohérente et par une forte capacité de communication, rendant l’art facilement accessible et collectionnable. Il s’agit de langages directs et contemporains, souvent liés à l’esthétique urbaine et pop, capables de dialoguer avec un large public et avec des espaces privés. Ce type de production représente une opportunité concrète pour ceux qui souhaitent commencer une collection d’art ou l’élargir avec des œuvres iconiques, cohérentes et immédiatement accessibles, en misant sur des signatures déjà reconnaissables et présentes sur le marché.

Mr. Savethewall

Mr. Savethewall développe un langage visuel direct et contemporain, capable d’unir Street Art, communication et actualité dans une lecture ironique et critique de la société. Dans ses œuvres émergent des références à des artistes qu’il admire, comme Banksy et Damien Hirst, toutefois retravaillées dans une écriture personnelle faite de messages forts, clairs et provocateurs.
Sa poétique vise à stimuler une réflexion sur les contradictions du présent à travers des images et des sujets célèbres, immédiatement reconnaissables, souvent accompagnés de textes qui rendent le sens encore plus immédiat. L’usage du détournement conceptuel est également central : la reprise d’images déjà existantes que l’artiste bouleverse, en leur attribuant un sens nouveau et souvent opposé.

Kiss me

Dans Kiss Me, Mr. Savethewall représente l’homme contemporain : élégant et bien habillé, mais avec l’apparence d’une grenouille. Le sujet naît comme une critique de l’illusion de l’apparence et de la fausse morale du conte de la princesse: même s’il « se transforme », la grenouille reste telle quelle. Comme l’affirme l’artiste, « une grenouille, même bien habillée, est et reste toujours une grenouille ».

L’homme-grenouille devient aussi la métaphore de personnes réelles qui exhibent statut et richesse — entre vêtements soignés et Rolex bien en vue — mais qui, au-delà de la surface, révèlent ce qu’elles sont vraiment. Précisément en raison de son immédiateté iconographique, Kiss Me a été décliné par l’artiste en différentes séries en édition limitée, devenant l’un des sujets les plus reconnaissables et recherchés de son parcours.

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Marco Lodola

Marco Lodola est connu pour un style essentiel et vibrant, fait de formes synthétiques et de couleurs vives. Sa poétique puise dans la musique, le cinéma et le sport, transformant les icônes de la culture pop en images dynamiques, capables d’unir art et design avec une grande immédiateté visuelle.

Éditions limitées et œuvres sur papier

Les sérigraphies de Marco Lodola représentent l’une des façons les plus appréciées de collectionner son langage pop et immédiat. Dans ces œuvres sur papier, l’artiste traduit sa signature faite de formes essentielles, de couleurs vives et de figures dynamiques en compositions à fort impact visuel, en conservant intacte la reconnaissabilité de son imaginaire. Les éditions limitées permettent d’entrer dans l’univers de Lodola à travers des œuvres cohérentes et iconiques, idéales pour enrichir une collection contemporaine d’une œuvre originale et identitaire.

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Orticanoodles

Orticanoodles est un collectif artistique de référence pour le Street Art italien et a construit un langage distinctif fondé sur la couleur et la décomposition de l’image. À partir du Street Art, le collectif développe une recherche visuelle dans laquelle la composante graphique et chromatique devient protagoniste, créant des œuvres à fort impact et hautement reconnaissables. Connus aussi pour un usage pionnier du pochoir, ils ont su combiner techniques innovantes et esthétique pop pour amener l’art dans l’espace urbain. Leurs œuvres abordent des thématiques actuelles comme l’inclusion sociale, la fragmentation de la société moderne et la valorisation de la vie citadine.

Portraits décomposés

Les portraits décomposés représentent l’un des sujets centraux du collectif: visages et figures, parfois évoqués parmi des symboles urbains et des références pop, sont recomposés à travers des aplats chromatiques intenses, des lignes essentielles et des superpositions dynamiques. À côté de cette recherche, Orticanoodles associe également des symboles de la nature et des références à la faune et à la flore, insérés avec une sensibilité contemporaine dans un imaginaire urbain à l’esthétique pop, capable de parler d’inclusion et de vie de ville avec immédiateté. Le résultat est un langage vibrant, iconique et hautement reconnaissable, particulièrement apprécié par ceux qui collectionnent l’art urbain contemporain.

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Artistes confirmés avec des œuvres disponibles dans différentes gammes de collectionnisme

De nombreux artistes confirmés de la scène contemporaine ont développé au fil des années une production artistique articulée capable de parler à différents collectionneurs, tout en conservant intact leur propre langage. À côté d’œuvres de grand format et de travaux plus rares, ils proposent souvent des éditions, des multiples et des sujets iconiques déclinés en versions plus compactes, qui permettent d’entrer dans leur univers créatif à travers des œuvres représentatives et fortement identitaires. Cette articulation, typique d’un marché consolidé, élargit les possibilités de collectionnisme et rend accessible l’acquisition de signatures internationales, sans renoncer à la reconnaissabilité, à la force visuelle et à la valeur dans le temps.

Richard Orlinski

Richard Orlinski est l’un des sculpteurs contemporains les plus reconnaissables au niveau international. Sa poétique se concentre sur des formes puissantes et dynamiques, souvent inspirées du monde animal et d’un imaginaire « instinctif » et primordial. À côté des œuvres de grand format, sa production comprend des sujets iconiques également proposés dans des versions plus compactes, élargissant les possibilités de collectionnisme.

Toys

Les toys de Richard Orlinski réinterprètent les sujets les plus célèbres de l’artiste dans des formats plus compacts, en conservant intactes l’énergie visuelle, les couleurs et la reconnaissabilité. Une déclinaison idéale pour ceux qui souhaitent entrer dans son univers sculptural à travers un sujet iconique.

DÉCOUVREZ LES ŒUVRES DE RICHARD ORLINSKI

Arnaud

 

Arnaud propose une sculpture contemporaine en équilibre entre force physique et ironie visuelle, avec des volumes compacts et une présence scénique immédiate. Son style est reconnaissable et cohérent : des œuvres capables d’unir impact esthétique et identité d’auteur, avec des sujets adaptés à différents contextes de collection.

Sumo XS

Les sculptures Sumo XS sont une déclinaison plus compacte de l’un des sujets les plus iconiques d’Arnaud. Elles conservent l’impact visuel et la force symbolique de la série, offrant une modalité de collectionnisme plus transversale liée à un thème fortement représentatif de l’artiste.

DÉCOUVREZ LES ŒUVRES DE ARNAUD

Mr. Brainwash

 

Mr. Brainwash fusionne street art et pop art dans un langage visuel énergique et stratifié, fait d’images iconiques, de références à la culture de masse et de couleurs vives. Sa production se caractérise par des sujets immédiatement reconnaissables et très demandés par le marché, avec des œuvres qui couvrent différents types et formats.

Spraycan

Les Spraycan de Mr. Brainwash transforment un symbole de la culture street en un sujet iconique et collectionnable. Une œuvre immédiate et hautement reconnaissable, particulièrement appréciée par ceux qui recherchent une pièce représentative de son imaginaire pop-urbain.

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